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The Art of Architectural Disguise:
New Paintings by Rodolfo Edwards

At first sight, the paintings of Rodolfo Edwards hit the viewer as though a lightning bolt, bursting with simultaneously swirling and grounded constructions that come and go, sliding in and out of view, while at the same time fixed in situ by a web of diagonal, parallel and intersecting bands.

After this initial optical response to the tumultuous mix of rural and urban skyline landscapes in Edwards work, my thoughts began to focus on the manifold and bungled realities of modernity which over the past fifteen to twenty years curators and artists from around the world have mined. However this fertile new field of exploration is not Euro-American centered and but instead it opened up to explore those metropolises hitherto off the radar screen, those that with rapidly changing globalizing patterns were impacted by our relentless neoliberal pursuits and its concomitant market paradigms. And, as these cities kept transforming at a forever-faster pace our art and cultural centers now include those geographical locations as well as their social and political realities.

Cities on the Move, curated by Hou Hanru from China, was one of the first curatorial endeavors to explore these concerns, exhibited at the Wiener Secession in Vienna in 1997, Austria. It was followed by the 1998 Johannesburg Biennial, in South Africa with Alternating Currents, an exhibit in which many artists actually used the city as a discursive site. Paraphrasing David Scott, the post-colonial theorist Okwui Enwezor enlisted for his Johannesburg Biennial, many more of these types of notions, increasingly prevalent, indicate that the image realm is the real battleground of contemporary geopolitics. It makes for a powerful cumulative testimonial while also raising some serious internal contradictions, with questions and answers regarding the messy state of affairs we have gotten ourselves into and how do we surpass these apparent ruins of modern societies? Research in global modernism and formations of modernity, theories of diaspora and migration, decolonization movements and their impacts on alternative modernisms, postcolonial modernism; the history and development of museums, exhibitions, and curatorial practice and theory.

The types of works included in these shows reveal, contrary to our expectation of a global esthetic, very specific geographical focuses between modes of approach that alternate between close-ups, zooming and wide angle, in either allegorical or documentary formats. By contrast, in the case of Rodolfo Edwards, we are in the presence of someone who is pulling together imagery from a wide variety of sources around the world that range from popular mass media image banks to highly sophisticated sources, he then collages and weaves into an infinite succession of layers and layers of imagery. Some are directly repurposed and others the artist intervenes by painting or drawing on them. At first it may seem the original source of the final images the viewer observes is irrelevant, but upon closer scrutiny, each image echoes a very specific and deliberate choice with nothing left to random chance. In the end, besides the visual and optical experience of his work, the artists entire exercise seems keen on finding a way by which we can build bridges to different cultural phenomenon and to other forms of knowledge that are not part of our own traditions.

Opposing the grand teleological narratives of art initiated by artist and architect, Giorgio Vasari and later, in 1925 by artists such as Moholy-Nagy whose Vision in Motion and Painting, Photography and Film they advocated for the instability of imagery, its potential to operate through fracture, historical anachronism and discontinuity, particularly by using the montage-collision methods by which whereby text-less collections of images acquired indefinable interpretations. For many the practice of art history was the discovery within the art work itself of fracture, contradictions, tensions, and the energies of magic, empathy, the totemic, and animism.

Rodolfo Edwards, who studied architecture and urbanism, described his process as: My work is constructed from images I collect from around the world of either places where I have been or where of those I dream to visit and, they are for the most part photography-based. Since the artist was trained as an architect, the images he selects and those that are the most compelling and provocative are those that either possess a possible architectural value or for reflect the exuberance of forests or jungle scenes, or aerial pictures of metropolis and even those places without architectural details or structures.

Architecture thus seems to be a prime source for Edwards as is the case of a long list of artists from Chile, in fact most of those who gained internationally acclaim first ventured out as architects rather then artists. Albeit from another generation, Rodolfo Edwards shares similar traits or choices, take for instance Roberto Matta who in 1936 briefly worked with Bauhaus architect artists Walter Gropius and Moholy-Nagy in London. He then moved on to France where he befriended the influential architect Le Corbusier and André Bretons group of surrealists. In 1938-39, once he arrived in New York City, Matta shared the beginnings of abstract expressionism with artists such as Jackson Pollock and Ashile Gorky. Mattas singular In-scapes, like Edwardss urban-jungle landscapes, sought to make the invisible visible by creating other, never before seen worlds.

Needless to say that with todays digital technology, Edwards modus operandi is far removed from the strict oil on canvas of Mattas generation. Next generation Gordon Matta-Clarke followed in his fathers shoes and also became an architect yet he is best known for his seminal avant-garde anarchitecture and, by sawing and carving sections out of buildings soon to be demolished. He documented these projects in photography and film. Similar to Matta-Clarke, Edwards also carves and cuts buildings however his derive from photographs and printed matter. Juan Downey is another avant-garde artist from Chile who was first an architect and then an artist. For Downey architecture was a deep and wide source that even became the title and backdrop of his first 2012 museum retrospective Juan Downey: The Invisible Architect. The catalog describes invisible architecture as the intersection of metaphysics and topological investigations between societies and their environments. In 1973 Downey stated the concept in even deeper metaphysical terms an attitude of total communication within which ultra-developed minds will be telepathically cellular to an electromagnetic whole. Edwards penchant for technology-based imagery can be seen to follow in Downeys footsteps.

In addition, Edwards shares his architectural training with another contemporary artist from Chile, Alfredo Jaar, who views the world as a very messy place, suffering from abundant disasters and poverty, aside from an incalculable amounts of debris a place where the artist attempts to introduce models of thinking that may perhaps provide change leading to a better world. Jaar is an architect who makes art by taking the space (of architecture) as a cultural and political space engaging in public interventions in communities around the world that are outside the studio.

By contrast, Rodolfo Edwards has been a studio artist who conducts research leading to other information that is both visual and political which he then acts upon resulting in subsequent imagery that although physical originated from the conceptual. His working method includes splicing, cutting, superimposing, deleting, layering, marking, assembling to finally in the end, occasion both perceptual and concrete, structurally dazzling paintings. However, the esthetically appealing aspects of Edwards architecturally based spaces function best as a locus of an underlying infrastructural and systemic network, one that characterizes the power structure of our societies since its origin.

Carla Stellweg
New York City, December, 2014

Carla Stellweg is a Latin-Americanist who has worked and non-profit director, writer, editor, curator and professor. Ms stellweg as a pioneer promoter and facilitator in the latin-American Contemporary
Art field and has been instrumental in introducing for US and international audiences many young and midcarrier artists from Mexico , Latin America, Latino U.S. Cuba and The Caribbean, producing
Conceptual, socially engage art in both new and traditional media. In the 1970s , She was the founder and editor Artes Visuales, the first bilingual quarterly contemporary art journal in Mexico.
Since her move to New York in 1982, Stellweg stablished herself as a prime point of contact for all
Queries and interested related to Latin American Art . Notably in 2010, The Standford University Library special collection acquired Ms Stellweg 40-years archive . She is currently a professor in the Department of Visual Critical Studies and Art History at The School of Visual Arts. She is also a visiting professor at the Instituto de Investigaciones Estéticas and Facultad de Filosofía y Letras at UNAM , ( National Autonomous University of Mexico ) as well as a lecturer at the Instituto Tecnológico de Monterrey, Mexico.

El Arte del disfráz Arquitectónico:
Nuevas pinturas de Rodolfo Edwards

A primera vista, las obras de Rodolfo Edwards impresionan al espectador como si se tratase de un rayo cuyo impacto genera construcciones simultáneamente arremolinadas y asentadas que van y vienen, deslizándose dentro y fuera del campo de visión, al tiempo que se fijan en un lugar mediante una red de bandas paralelas y diagonales que se cruzan.

Tras esta respuesta óptica inicial a la mezcla tumultuosa de horizontes paisajísticos rurales y urbanos, propios del trabajo de Edwards, mis pensamientos comenzaron a centrarse en las múltiples y fallidas realidades de la modernidad, que en los últimos quince o veinte años han sido explotadas por curadores y artistas de todo el mundo. Sin embargo, este nuevo y fértil campo de exploración no está centrado en una cosmovisión euro-norteamericana; por el contrario, se abre a la exploración de metrópolis, hasta ahora invisibles, que se han visto afectadas por patrones globalizadores mutantes, propios de los incesantes intereses del neoliberalismo y sus paradigmas de mercado. Al tiempo que estas ciudades siguen transformándose de forma veloz y cambiante, nuestros centros culturales y artísticos ahora incluyen dichas localidades, así como sus realidades sociales y políticas.

Ciudades en movimiento, a cargo del curador chino Hou Hanru, fue uno de los primeros proyectos curatoriales que exploró este tipo de situaciones, expuesto en la Wiener Secession de Viena, Austria en 1997. Le siguió la Bienal de Johannesburgo, Sudáfrica, en1998 con Corrientes alternas, una exposición en la que muchos artistas utilizan, realmente, la ciudad como espacio discursivo. Parafraseando a David Scott, el
teórico poscolonial Okwui Enwezor incluyó en su Bienal de Johannesburgo . . . otras muchas nociones de este tipo, que, siendo cada vez más frecuentes, indican que el reino de la imagen es el verdadero campo de batalla de la geopolítica contemporánea. Se convierte en un poderoso testimonio acumulativo, al tiempo que plantea algunas contradicciones internas graves, con preguntas y respuestas sobre
el estado desordenado de las cosas al que hemos llegado y cómo superar esta ruina aparente de las sociedades modernas. La muestra cubre igualmente una investigación sobre la formación de la modernidad y la globalización de la misma; teorías sobre la diáspora y la migración, sobre los movimientos descolonizadores y su impacto en una modernidad alternativa poscolonial, sobre la historia y el desarrollo de los museos y de las exposiciones, y sobre la práctica y teoría curatorial.

El tipo de obras incluidas en estas exposiciones revela, contrariamente a nuestra expectativa de una estética global, focos geográficos muy específicos que alternan los primeros planos, con lentes de acercamiento y el gran angular, ya sea en formatos alegóricos o documentales. En cambio, en el caso de Rodolfo Edwards estamos ante alguien que compila imágenes de una amplia variedad de fuentes de todo el mundo, que abarca desde bancos de imágenes y medios de comunicación de masas hasta fuentes altamente sofisticadas, produciendo collages en los que teje una infinita sucesión de capas de imágenes. Algunas son directamente reutilizadas; en otras, el artista interviene pintando o dibujando sobre las mismas. A simple vista podría parecer que la fuente original de las imágenes finales que el espectador observa es irrelevante, pero, tras un estudio más detenido, observamos que cada imagen es fruto de una elección muy específica y deliberada, no consecuencia del azar. Al fin de cuentas, todo el trabajo del artista, además de la experiencia visual y óptica se dedica a encontrar una fórmula mediante la cual podamos construir puentes entre diferentes fenómenos culturales y otras formas de conocimiento que no son parte de nuestras propias tradiciones.

La oposición a los grandes relatos teleológicos del arte, iniciada por el artista y arquitecto Giorgio Vasari del medioevo con una tradicon continuada como el instante en 1925 de artistas como Moholy-Nagy, cuyo punto de vista sobre movimiento, pintura, fotografía y cine abogaron por la inestabilidad de las imágenes, su potencial para operar a través de la fractura, el anacronismo histórico y la discontinuidad, en particular mediante el uso del montaje-colisión; métodos mediante los que las colecciones de imágenes sin texto adquirieron interpretaciones indefinibles. Para muchos de esa generación, la práctica de la historia del arte fue consecuencia del descubrimiento de fracturas dentro de la propia obra, de contradicciones, tensiones, y energías mágicas, empáticas, totémicas, y animistas.

Rodolfo Edwards, que estudió arquitectura y urbanismo, describe su proceso creativo en los siguientes términos: Mi trabajo se construye a partir de imágenes de todo el mundo que colecciono, ya sea de lugares donde he estado o los que que sueño visitar y que en su mayor parte, tienen una base fotográfica. Teniendo en cuenta que el artista se formó como arquitecto, entre las imágenes que selecciona, las más convincentes y provocadoras son aquellas que poseen un posible valor arquitectónico, que hacen reflexionar sobre la exuberancia del bosque o la selva, o fotos aéreas de metrópolis y ciertos lugares con o sin elementos o estructuras arquitectónicas.

De esta manera, la arquitectura parece ser una fuente primordial para Edwards, así como para una larga lista de artistas chilenos; de hecho, la mayoría de los reconocidos internacionalmente empezaron siendo arquitectos en vez de artistas. Aunque pertenece a otra generación, Rodolfo Edwards comparte rasgos y decisiones, con, por ejemplo, Roberto Matta, que en 1936 trabajó brevemente en Londres con artistas-arquitectos de la Bauhaus como Walter Gropius y Moholy-Nagy. Posteriormente se mudó a Francia, donde se hizo amigo del influyente arquitecto Le Corbusier y del grupo de los surrealistas de Breton. En 1938-1939, una vez que llegó a la ciudad de Nueva York, Matta compartió los inicios del expresionismo abstracto con artistas como Jackson Pollock y Ashile Gorky. Los singulares In-Scapes de Matta, como los paisajes urbano-selváticos de Edwards, trataron de hacer lo invisible visible mediante la creación de otros mundos, nunca antes vistos.

Sobra decir que con la tecnología digital actual el modus operandi de Edwards está muy lejos del rígido óleo sobre lienzo de la generación de Matta. Perteneciente a la generación posterior, Gordon Matta-Clarke siguió el camino de su padre y también se convirtió en arquitecto, aunque es más conocido por su influyente anarquitectura vanguardista, así como por el corte y talla de secciones de edificios que pronto serían demolidos. El artista documentó estos proyectos en soporte fotográfico y fílmico. Al igual que Matta-Clarke, Edwards también talla y corta edificios; sin embargo, sus fotografías derivan de impresiones fotográficas e imágenes que él documenta. Juan Downey es otro artista vanguardista chileno que fue primero arquitecto para luego decidir por ser artista. Para Downey la arquitectura era una fuente profunda y amplia que incluso se convirtió en el título y el telón de fondo de su primera retrospectiva museística de 2012, Juan Downey: el arquitecto invisible. El catálogo describe arquitectura invisible como la intersección de la metafísica y las investigaciones topológicas entre las sociedades y sus entornos. En 1973, Downey plantea el concepto con mayor profundidad metafísica como una actitud de comunicación total en la que las mentes ultra desarrolladas serán telepáticamente celulares a un universo electromagnético.

Edwards comparte su interés por la arquitectura con otro artista chileno contemporáneo, Alfredo Jaar, que ve el mundo como un lugar desordenado, que sufre de una gran cantidad de desastres y de pobreza, además de un numero incalculable de desperdicios; un lugar en el que el artista intenta introducir modelos de pensamiento que, tal vez, puedan proporcionar un cambio que lleve a un mundo mejor. Jaar es un arquitecto que hace arte, utilizando el espacio (de la arquitectura) como espacio cultural y político, con el que el artista se relaciona para realizar intervenciones públicas en distintas comunidades y localidades del mundo fuera de su estudio.

Contrario a Jaar, Edwards ha sido hasta ahora un artista de estudio que lleva a cabo su investigación para recabar información tanto visual como política para posteriormente actuar sobre los hallazgos resultantes, en forma materica que, aunque sean físicos, inicialmente eran conceptuales. Este proceso va seguido por un método creativo que incluye empalme, corte, superposición, borrado, añadidura de capas, marcado y montaje que finalmente generan, entre lo perceptual y lo concreto, pinturas estructuralmente deslumbrantes.

Carla Stellweg
Nueva York, Diciembre, 2014

Carla Stellweg es una especialista en arte latinoamericano que ha trabajado como directora de espacios sin ánimo de lucro, además de ejercer como escritora, editora, curadora y profesora. Reconocida como promotora pionera y mediadora del arte contemporáneo latinoamericano, ha sido una pieza clave para la introducción en Estados Unidos y otros contextos internacionales de gran cantidad de artistas, tanto jóvenes como establecidos, latinos de EE.UU., mexicanos, cubanos, caribeños y latinoamericanos en general, cuyo trabajo tiene una carga conceptual y es socialmente comprometido, haciendo uso tanto de soportes tradicionales como novedosos. En la década de 1970, fue la fundadora y editora de la publicación cuatrimestral Artes Visuales, la primera revista bilinge de arte contemporáneo de América Latina. Tras establecerse en Nueva York en 1982, se convirtió en contacto primordial para todos los consultores e interesados en arte latinoamericano. En 2010, la Biblioteca de la Universidad de Stanford adquirió los archivos relacionados con sus 40 años de carrera profesional. Actualmente es profesora en el Departamento de Estudios Críticos Visuales e Historia del Arte de la School of Visual Arts, NYC.

Rodolfo Edwards: Source and Place

These recent works by Rodolfo Edwards offer layers of time and space collapsed together to create new environments. Intersected, in some cases, by lines of color, the works use mathematical forms, creating partialled, measured parallel spaces.

The works point of departure is pictorial, sourcing imagery of various world capitals, majestic landscapes, and feats of engineering. The results function, in many ways, like the imposing paintings of the nineteenth century that explored different ways of seeing, entering, knowing, and posessing a space. The viewer's relationship to the work is cemented through the heightened awareness of perceptions of surface, interruptions of seeing, the interstices of an object, building, view and the human figures that evenually inhabit them.

The difference between figure and structure is emphasized by the tension in which scores of seemingly incompatible things are held: permanence and constance; movement and stillness; eternal and ephemeral; stasis and development; urban and rural; chaos and order; human nature or intellect and the natural instinct.

The artist states: "The work is a synthesis of what I seek, an agglomeration of metropolis, of intense excess. It is exuberant and saturated, a baroque landscape that is at the same time like a giant puzzle, enigmatic and unknowable though intimately familiar at the same time.

Movement in these works represents development, transformation, but also destruction, through the enevtability of the passage of time. There is a sense of restructuring of material that may be stripped of an image. For the artist, it is his model of working: the image changes as things are added and subtracted, traces of past images sometimes still visible like a palimpsest. Each work becomes like a literal mapping of the archaeological, political, social, economic, and creative layers of the world. In a larger sense, the aritst's working method seems to be a visible representation of systems of change.

The artist begins by making a close study of the structure of an image that moves him. Through his composition he constructs the sky or roof of the image then creates a scale of relativity, constructing from top to bottom, and left to right. Registers are created in the tradition of prehistoric works of art in which figures and their actions are bound by the structure and serve to complete it. This structure is also regulated in the same way that mathematical problems and music are organized. Carefully calculated rhythms are created by a constant and even separation of color or form. Patterns are syncretized with shapes, marking a cadence that organizes both the surface and the context. The image acts like an index of an environment, a textile like weaving of all content.

There is a fillm like quality to many of the canvases, a grainy surface that evokes the nostalgia of photograpahy of the 1970s. In some layers, the artist hs used photo transfer or monochromatic imagery, adding to this sense of aged pictures. The language is vaguely futurist, linear, angular, becoming simplified versions of canals, highways, modernist structures that are rendered as the future immediate. Geometry and abstraction are in constant tension with the real imageoften sourced from the careful study of architectural magazinesand its actuality.Part collage, part essay on the uses of land, air, and structure, his large scale works render views of gardens, streets, buildings and mountains as partial monuments, seen poetically only through the partitions of color and cut forms.

Rocío Aranda Alvarado
New York, December , 2014

Rocío Aranda-Alvarado earned her Ph.D. in Art History from the City University of New York. She is Curator at El Museo del Barrio, where her curatorial work and research focuses on modern and contemporary art of the Americas. She co-curated the last two biennial exhibitions at El Museo as well as exhibitions focusing on the permanent collection. Ms. Aranda-Alvarado is also on the adjunct faculty of the Art Department at the City College of New York. Her writing has appeared in various publications including catalogue essays for the Museum of Modern Art and the National Gallery, Nka: Journal of Contemporary African Art, Art Nexus, Review, the journal of the Americas Society, NYFA Quarterly, Small Axe, BOMB and American Art.

Rodolfo Edwards: Fuente y Lugar

Estos trabajos recientes de Rodolfo Edwards muestran capas de tiempo y espacio que se derrumbaron juntos para crear nuevos espacios. Entrecruzados en algunos casos por lineas de color, las obras utilizan formulas matemáticas , creando espacios
Parciales , medidos por espacios paralelos.

El punto de partida de estas obras es pictórica , abasteciéndose de imágenes de varias capitales del mundo , paisajes majestuosos y hazañas de la ingeniería . La función de los resultados , en muchos aspectos , como las pinturas imponentes del siglo XIX que exploraron diferentes formas de ver y de ingresar, sabiendo , y poseedores de una espacio.
La relación del espectador con la obra se consolidó a través de la mayor conciencia de las percepciones de la superficie , las interrupciones de ver, los intersticios de un objeto, construcción, visión y las figuras humanas que finalmente ellos habitan.

La diferencia entre la figura y la estructura se destaca por la tensión en la que se llevan a cabo decenas de cosas aparentemente incompatibles : permanencia y constancia ; movimiento y quietud ; eterno y efímero ; lo estático y el desarrollo; urbana y rural; el caos y el orden; la naturaleza humana o el intelecto y el instinto natural.

Según el Artista : " El trabajo es una síntesis de lo que yo, busco como en aglomeraciones de metrópolis , de intenso exceso , tanto en lo exuberante como en lo saturado, también en un paisaje barroco que es al mismo tiempo aparece como un rompecabezas gigante, enigmático y desconocido aunque íntimamente familiarizado .

El Movimiento en estas obras representa el desarrollo , la transformación , también la destrucción, a través del inevitable paso del tiempo. Hay un sentido de la reestructuración del material que puede ser despojado de una imagen. Para el artista , es su modelo de trabajo : se suman y se restan los cambios de imágenes como las cosas , los rastros de imágenes pasadas a veces todavía visibles como un manuscrito . Cada obra se vuelve como un mapeo literal de las capas arqueológicas , políticas, sociales , económicas y creativas del mundo. En un sentido más amplio , el método de trabajo del artista parece ser una representación visible de los sistemas de cambio.

El artista comienza haciendo un estudio minucioso de la estructura de una imagen que le conmueve . a través de su composición se construye el " cielo " o "techo " de la imagen que a continuación, se convierte en una medida de la relatividad , la construcción de arriba y abajo de izquierda a derecha. Los registros se crean en la tradición de obras prehistóricas de arte en el que las figuras y sus acciones están determinados por una estructura y que sirven para complementarse. Esta estructura también se regula de la misma manera que los problemas matemáticos y como la música se organiza con ritmos cuidadosamente calculados que son creados por una separación constante y uniforme de color y forma Estos patrones se combinan con formas , marcando una cadencia que organiza la superficie y el contexto . La imagen actúa como un referencia de un entorno, un textil como el tejido de todo el contenido .

Muchos de los lienzos tienen una capa y una superficie granulada que evoca la nostalgia de la Fotografía de la década de los 70. En algunas capas , el artista utiliza transferencias de fotos o imágenes monocromáticas , añadiendo a esto un sentido evocador a las imágenes antiguas .
El lenguaje es vagamente futurista, lineal, angular , convirtiéndose en versiones simplificadas de los canales , carreteras, estructuras modernistas que se representan como el futuro inmediato . La geometría y la abstracción están en tensión constante con la imagen real , a menudo provienen de un estudio cuidadoso de revistas y libros de Arquitectura Contemporánea. El manejo del Collage , estudiando el orden entre la tierra, el aire y la estructura , sus obras a gran escala hacen visitas de jardines, calles , edificios y montañas como monumentos parciales , vistos poéticamente sólo a través de los tabiques de color y corte formas .

Rocío Aranda Alvarado
Nueva York, Diciembre, 2014

Rocío Aranda -Alvarado obtuvo su Ph.D. en Historia del Arte por la Universidad de la Ciudad de Nueva York . Ella es Curadora en El Museo del Barrio, donde su trabajo curatorial y la investigación se centra en el arte moderno y contemporáneo de las Américas . Ella ha comisariado las dos últimas exposiciones de la bienal de El Museo del Barrio , así como exposiciones centradas en la colección permanente del mismo lugar. Rocío Aranda -Alvarado también está como profesora adjunto de la facultad del Departamento de Arte en el City College de Nueva York . Sus escritos han aparecido en varias publicaciones incluyendo ensayos de catálogos para el Museo de Arte Moderno y la Galería Nacional , Nka : Journal of Contemporary African Art , Art Nexus , Review, la revista de la Sociedad de las Américas , NYFA Quarterly, Small Axe , BOMB y americano Art .

The Wanderlust of Rodolfo Edwards
An art writers essay on the oeuvre of the artist

Cities rise and fall throughout history but it is a testament to mans prowess and crowning achievement that keeps us riveted to explore the genesis of urbanity. Rodolfo Edwards is one of those artists whose works explore not only the structure of urban life but investigates the myriads of layers that comprise it.

My first encounter of Rodolfos work came at a dual show in the Lower East Side in New York City back in 2012. The very linear aspect of his work and the gridlines easily denoted his penchant for structure. I guessed that he was an architect and when he confirmed that fact, it all made sense to me. The concentric lines, sharp delineation, bold color choices and symmetry conveyed discipline on the verge of creative chaos. There was some volatile force at work and it was teetering on the brink to which I thought of as extremely dynamic and precisely a mastery of form. Rodolfo has turned his attention to art fully. There were aspects of structure and shades of a city being built in the series. Yes, you can take the boy out of architecture but never the architecture out of the boy.

During the summer of 2013 at NYU Wagner for his solo show, Rodolfo surprised and exceeded expectations with an evolution of his exploration into the urban mystique and global phenomenon of cities encroaching upon present environments. Instead of the concentric lines from a far off horizon, Rodolfo had moved into an organic format where forces spread out from the center and carried waves of events in a swirling pattern. This was his observation of the citys growth taking over and spreading like a malady. It builds upon itself till the chaos implodes and the city swallows itself whole. It was time to bend the structure and let it be biomorphic. In this case, the utopian ideal has been annotated with the dystopian probability. Was he taking on the mantle of being not the builder but a prophet of deconstructive ideals? I had to stay tuned and bided my time as he went on to do more massively ambitious work.

What followed after may be an epiphany on his part. Rodolfo went back to the radiating straight lines but instead of strips of information he opted for strips of illustration. Working on diptychs during the fall and winter of 2013, the output had taken a new life of its own by 2014. City structures, architectural details, traffic, urban dwellers, modes of transportation, far flung vistas of paradise, and aspects of travel had been sliced into radiating strips that managed to be the base of his latest series. Like the photographic tenet of Andreas Gursky where the landscape is informed by color and form amalgamated, Rodolfos recent diptychs are his celebration of wanderlust. This constant drive to seek out places and that restless spirit stems from a period of his life when he would take bus rides by himself to get lost then have new adventures in all kinds of places. It may be a homogenized memory but what a striking representation of what his minds eye had seen.
It is with direct and courageous confrontation that Rodolfo created his fragments and components in creating his sense of place. The impetus to explore and juxtapose the overly populated urbane hell versus the idyllic paradise permeates through some of his rhythmic painting collages. The burst of color and precision of where everything is positioned speaks the ingrained discipline of his former profession. Linear congruity and precision are the marks of a skilful architect creeping into his meticulous artistry. His unwavering eye for detail and symbolism is still rooted in the urban study that fascinates him more than ever. The work is impressive and consistent from the time when I first laid eyes on his art. Rodolfo is all about bridging the contemporary into the historical. Civilization is informed by the structures it has built and will build as time moves on.

The urban landscape is never stagnant and it is always kinetic. Everything moves and does not sit in one place. The urgency of change, development and time ticking away brought on this current for such art statements to be made. Looking at the worlds created by Rodolfo is a never-ending pursuit or wanderlust. If David Hockney was informed by the light of the California sky and kept the precise linear modernity as adjuncts to his terrain then Rodolfo Edwards is like the Conquistadores that dared to explore the wide blue yonder of endless oceans. In the vastness of discovery, you learn and see facets that never stray far from your sensibility. He has learned intensely and quite well for all his wanderlust.

Oscar A. Laluyan
New York , November 2014

Art Critic, Writer & Editor in Chief of ARTE FUSE (New York)
A Communications Specialist from 2000 till 2008, Oscar worked as the Program and Social Media Coordinator for the Chelsea Art Museum from 2010 till 2011. Towards the end of 2011, he co-curated a show in the Flatiron District and contacted ARTE FUSE to began his journey and eventually contributing to other online art related publications in New York and other places .